jueves, 17 de septiembre de 2015

¿Qué te comunica una obra pictórica?





 
¿Qué te comunica una obra pictórica?


"El arte es uno de los medios de

comunicación entre los hombres"

León Tolstoi    

Por Jesús Rodríguez Mejía

El presente texto pretende encontrar el punto y/o puntos de convergencia donde se contacten comunicación y pintura.
En principio se puntualizan algunas definiciones sobre los conceptos que nos ocupan y sea las premisas para  desarrollar del texto.
¿Qué deberíamos entender por comunicación?

La definición de comunicación ha cambiado en función del momento histórico y escenario en que se ha dado y es por ello que se enlistan algunas definiciones:

            Aristóteles definió el estudio de la comunicación como la búsqueda de "todos los medios de persuasión que tenemos a nuestro alcance".

 Aristóteles
 

          Antonio Arnaldo Pasquali Greco (junio de 1929), comunicador social venezolano define comunicación como: “la relación comunitaria humana consistente en la emisión – recepción de mensajes entre interlocutores en estado de total reciprocidad, siendo por ello un factor esencial de convivencia y un elemento determinante de las formas que asume la sociabilidad del hombre”.
 Antonio A. Pasquali Greco
 
      
            El modelo de Wilburg Schcramm y Charles Osgood describe a la comunicación interpersonal como “un proceso no direccional, sino más bien circular, donde emisor y receptor aparecen con carácter de simetría teórica, esto es, con capacidad dinámica de interlocución y diálogo” (Process and Effects of Mass Communication, 1954).


                                                              
                                                                         












 
                                                                       Charles Osgood 

 

                

               

                   
              Herbert Blumer es posiblemente el más significativo teórico de  la comunicación de la Escuela de Chicago puntualiza “la comunicación representa un proceso estructurado simbólicamente. Se constituye del empleo de símbolos comunes con vistas a la interacción, que funda la propia sociedad”.

 Herbert Blúmer

 
             Manuel Martín Serrano, puntualiza: “La Teoría de la Comunicación estudia la capacidad que poseen algunos seres vivos de relacionarse con otros, intercambiando información. La Teoría de la Comunicación es una reflexión científica muy nueva, pero, en cambio, su objeto de estudio —LA COMUNICACIÓN— es una actividad muy antigua…”
 

 Manuel Martín Serrano

 
Para Martín Serrano la “Comunicación es la actividad de interacción más antigua que existe, pero su estudio no lo es tanto así, ya que sólo hace poco tiempo se le considera  como una ciencia en las ciencias sociales”.
Ahora bien la comunicación es apreciada como la columna vertebral que sostiene la existencia de la sociedad, es la herramienta para la creación y perdurabilidad  de la cultura, es la vida del espíritu.
 
Los tipos de comunicación son:

a)    La Comunicación Verbal: Se refiere a la comunicación que se vale de la palabra para dar el mensaje y puede ser oral o escrita.

 
b)    Comunicación No Verbal: Se puede llevar a cabo la comunicación sin pronunciar palabras, sin escribir palabra alguna, puede ser por medio del movimiento corporal (postura, gestos, ademanes), la proxémica (uso físico de los espacios), etc.
 
c)    La Comunicación Visual: Es un proceso de elaboración, difusión y recepción de mensajes visuales. En ella influyen: el emisor, el receptor, el mensaje, el código, el medio o canal y el referente. Así mismo en ella predominan las imágenes en la construcción de los mensajes.
 
De igual manera, las fotografías, pinturas y similares son obras de arte que tienen la función de comunicar por sí mismas, por medio de la imagen que trasmiten.
La comunicación visual tiene varias funciones para el texto presente, se destaca la función poética o estética que consiste en aquella imagen que busca la belleza con sentido artístico y/o estético. Son imágenes que valen por sí mismas.  
En la actualidad el acto comunicativo idóneo, se caracteriza por la práctica de una comunicación interpersonal y/o grupal adecuada en la que los actores que intervienen ponen  en juego sus competencias comunicativas.
Se entenderá como competencia comunicativa a la capacidad de realizar adecuadamente el proceso de comunicación, usando los conectores idóneos  para entender, elaborar e interpretar los diversos eventos comunicativos, teniendo en cuenta el  significado explícito o literal y las implicaciones que esto conlleva.
Según Víctor Miguel Niño Rojas las competencias comunicativas básicas son:

a)    Saber leer
b)    Saber escribir
c)    Saber hablar
d)    Saber escuchar
 En el desarrollo del Saber leer se debe puntualizar el proceso de la comunicación, en donde el autor (escritor, emisor) enuncia y emite un mensaje (texto escrito) con
 
 
 información y el lector (receptor) identifica la información, la comprende y la utiliza de la mejor manera.
Desde este punto de vista, el leer (receptor) y escribir (emisor) permite entablar un diálogo entre el autor y el lector.
¿Qué se entiende por arte?
Se entiende como arte a las creaciones realizadas por el ser humano, utilizando recursos lingüísticos, sonoros o plásticos, para expresar una visión sensible sobre el mundo, imaginario o real.
El arte es un medio para expresar sensaciones, ideas y emociones.
En Antigua Grecia el arte se clasificaba en seis disciplinas: la poesía, la pintura, la música, la escultura, la danza y la arquitectura.

Para los efectos del presente texto se aterrizará en la pintura.

En la pintura el artista recurre a la uso de sustancias y pigmentos, trazos y combinación de colores para realizar representaciones gráficas con el fin de crear un arte visual.
En la pintura existen distintos géneros, algunos de ellos son: retratos, naturaleza muerta, desnudo, paisajes, costumbristas, figurativos y autorretrato, entre otros.
 
 Retrato
            Naturaleza muerta
 
                                         Paisaje
 
 Costumbrista
 
 Figurativa
 
                          Autorretrato
 
Las técnicas más empleadas en la pintura son el óleo, tapiz, fresco, aguada, acuarela, vitral y temple.
Es menester no pasar por alto lo que se entiende por obra pictórica.
Erwin Panofsky (1892 - 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán, exiliado en los Estados Unidos.
Según Erwin Panofsky una obra pictórica debe tener contenido iconográfico (forma) e iconología (su contenido), para que primero se trate de comprender lo que representa y luego su significado para el observador.
Con base en lo expuesto se establece una premisa en la que se puede afirmar que existe comunicación entre el pintor (autor—emisor) y el observador (receptor--alumno) a través de la imagen pictórica.
En la pintura se dan las condiciones y los elementos necesarios para propiciar un proceso comunicativo, donde el autor (pintor, emisor) emite un mensaje (imagen pictórica) y el observador (receptor) identifica el mensaje en función de su estado de ánimo, cultura, información, educación, entre otros factores.
Desde este punto de vista, el observador (receptor) y pintor (emisor) permiten la posibilidad de  entablar un diálogo siempre y cuando exista el canal adecuado.
Al observar una imagen pictórica no se debe ver como una acción mecánica por parte del observador (receptor) sino que tendrá que poner en juego sus conocimientos, aptitudes y su estado de ánimo entre otros elementos, para captar el mensaje que el pintor le envió a través de la mencionada imagen o bien tendrá su propia interpretación.
¿Qué influencia puede ejercer  la pintura en la formación del adolescente?
Existen principalmente dos formas de hacer que a los adolescentes les guste el arte. Una es que ellos mismos se sientan motivados y realicen actividades artísticas, la segunda es que accedan a él como observadores. Si se percibe  que un alumno o alumnos tienen facilidad para realizar alguna actividad artística de las diferentes disciplinas del arte, se debe motivar para que la desarrollen paulatinamente. También hay muchos alumnos para los que el arte es una actividad muy distante e indiferente. En el caso de estos últimos es una buena idea acercarlos de alguna manera a una disciplina del arte, que pueda ser de su agrado en calidad de observadores, de tal forma que visitarán museos, galerías y muestras.
En cualquiera de los dos escenarios los adolescentes adquirirán, su  gusto por las realizar obra artística y/o capacidad criticar y juzgar.
 Observador
 
                                                        Pintor
 
El que un alumno no tenga o no le interese desarrollar su propia capacidad artística no lo limita para dejar de disfrutar del arte y aprovechar las ventajas que le puede ofrecer. En este caso únicamente se puede conseguir que sea un observador.
Para que los alumnos adquieran el gusto e interés por el arte hay que fomentar que accedan a él y buscar las estrategias idóneas para que no rechacen lo que se les propone y así lograr el cometido.
Si se logra conseguir interesarlos en una disciplina del arte, el interés por las demás llegará posteriormente y a su tiempo.
Victoria Toro puntualiza las aportaciones que el arte proporciona al adolescente, para su formación, independientemente del rol que jueguen (como pintor o espectador), las cuales desglosa de la siguiente forma:
 
 Victoria Toro
 
a)    Expresar emociones. Se considera la primera característica del arte y es la forma de expresar las diferentes emociones. Como pintor se le facilita expresar lo que siente  y como espectador pueden encontrar en los demás emociones como las propias.
b)    Entender el mundo. Al ser una forma de comunicación de las emociones, el arte sirve para entender mejor el mundo. Y eso es muy útil durante la adolescencia cuando los alumnos están descubriendo lo que les rodea y buscando su lugar dentro de la sociedad.
c)    Aumentar su creatividad. La relación constante con obras pictóricas hace que los adolescentes sean más creativos.
d)    Ampliar sus intereses. Tanto los culturales como los sociales porque los acerca a ver al mundo desde diferentes ópticas.
e)    Aumentar su capacidad crítica. Una característica imprescindible para la maduración intelectual, el desarrollo de la capacidad crítica, se hace más fácil con el contacto continuo con el arte.
f)     Sentir placer. Disfrutar del arte produce un gran placer y eso es algo que puede ayudar a que la vida de los adolescentes sea mejor.
Ahora se enlistarán algunos de los pintores más famosos del mundo occidental:
Pablo Picasso español de nacimiento (1881-1973),  es quizá el pintor más famoso del mundo y desde luego, el pintor más famoso del siglo XX.
 Pablo Picasso
Ejemplos de pinturas famosas de Picasso: Guernica (1937) y Las señoritas de Avignon (1907)
                               
 





 Vincent van Gogh


Vincent van Gogh (1853-1890), pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo. Sus fans simpatizan con la interpretación expresiva de los motivos de sus cuadros, sus colores vivos, sus pinceladas sueltas y una historia dramática entre la pasión por el arte, el fracaso comercial y la locura.

Ejemplos de pinturas famosas de Van Gogh:
 La noche estrellada (1889)
 
Terraza de café por la noche (1888)
 
  Autorretrato de Vincent van Gogh
 
 Claude Monet
 
Claude Monet (1840-1926), pintor francés que cuenta con el respaldo académico por su importancia en la historia del arte como uno de los fundadores del Impresionismo. De hecho, el nombre de este movimiento artístico proviene de su cuadro Impresión, salida del sol (1873).
Ejemplos de pinturas famosas de Monet:
 
                                         
  La serie de pinturas de Los Nenúfares
 
 
 
 
                              
 La serie de pinturas del Portal de la Catedral de Ruan
 
 
Salvador Dalí (1904-1989), pintor español, conocido por encarnar el Surrealismo y el Dadaísmo más allá de sus obras. Polifacético, excéntrico y enamorado. Un personaje tan famoso que incluso su bigote fino, largo y rizado ha pasado a la historia.
 
 
 
Ejemplos de pinturas famosas de Dalí:
 

 
                                            
 La persistencia de la memoria (1931)


 

               El gran masturbador (1929)


 Leonardo da Vinci

 
Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor italiano y arquetipo del hombre del Renacimiento, humanista de múltiples talentos y visionario. Algunos de sus dibujos y pinturas están entre los más famosos del mundo.

Ejemplo de pintura de Da Vinci:
 
 
Mona Lisa (1503-06)
 
 
  Rembrandt
 
 
 
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), el pintor más famoso del Siglo de Oro holandés. Conocido por sus cuadros históricos, retratos y, en especial, por los autorretratos que pintó desde su juventud.
Ejemplos de pinturas famosas de Rembrandt:
La ronda de noche (1642)
               Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632)
 
 
Michelangelo Merisi da Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), pintor italiano famoso por el naturalismo de sus pinturas sacras y el uso teatral del claroscuro de gran influencia en el desarrollo del Barroco. Pese a que en vida no le faltaron los encargos de pinturas religiosas, fue criticado no sólo por la representación tan realista y humana de sus personajes sino por utilizar como modelos mendigos y prostitutas.

Ejemplos de pinturas famosas de Caravaggio:

 
 La vocación de San Mateo (h. 1599-1600)
 
 Baco (1595)
 
Francisco de Goya
 
 
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828), pintor español considerado como uno de los iniciadores de la estética del Romanticismo y precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX con sus obras maduras. También es famoso por su talento como retratista al representar el aspecto psicológico de sus modelos más allá de su apariencia.
Ejemplos de pinturas famosas de Goya
    El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814)
 
 
                                            Saturno devorando a su hijo (1823)
 
  Pierre Auguste Renoir
 
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), pintor francés y uno de los principales participantes en el desarrollo del Impresionismo. Es famoso por su paleta colorista, vibrante y luminosa, y sus escenas alegres y llenas de vida.
Ejemplos de pinturas famosas de Renoir:
 
 
                                         Baile en el Moulin de la Galette (1876)
Almuerzo de remeros (1881)
 
   
                             
                               Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660)
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez es el pintor más famoso del Siglo de Oro español. Uno de los maestros del Barroco y de la pintura universal, pintor de corte de carrera brillante y modelo de los pintores realistas de las generaciones posteriores. Considerado como uno de los mejores retratistas de la historia del arte.
Ejemplos de pinturas famosas de Velázquez:
   Las Meninas (1656)
 
                            La rendición de Breda (1635)
 
José Clemente Orozco. Distinguido muralista y litógrafo. Nació en Jalisco, en noviembre de 1883 y murió en la Ciudad de México, en septiembre de 1949.

                                                
 José Clemente Orozco
 
Entre sus obras más destacadas se encuentran los murales que plasmó en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.

 La trinchera
 
 
 
 Diego Rivera
 
Diego Rivera bautizado con el nombre completo de Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, fue originario de Guanajuato, donde nació en diciembre de 1886. Falleció en la Ciudad de México, en noviembre de 1957.
Se destacó como pintor de murales.
 
 Una tarde dominical en la Alameda Central
 David Alfaro Siqueiros
 
 David Alfaro Siqueiros nació en la capital de México en 1896. Se dedicó principalmente a las artes plásticas y a prestar sus servicios como militar.
Es considerado uno de los tres exponentes del muralismo mexicano junto con Diego Rivera y José Clemente Orozco. Murió en enero de 1974.
 La revolución
 
 José Luis Cuevas
 
José Luis Cuevas es pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano, nació el 26 de febrero de 1934 en la Ciudad de México.
Es una de las principales figuras de la "generación de la ruptura". También destacó como representante del neofigurativismo.
 
 
 

En tiempo y forma las mujeres han superado los convencionalismos sociales y la discriminación machista  que duró muchos años, alcanzando ahora el éxito como artistas. Sara Lasso experta en arte puntualiza a mujeres artistas que han dejado huella en el camino.

Artemisia Gentileschi, (1593 - h.1654)            

Pintora italiana del Barroco


 


Artemisia aprende el oficio en el taller de su padre, Orazio Gentileschi. Pintora de la escuela de Caravaggio, con un claroscuro más acentuado y dramático, es apreciada entre los grandes artistas de su época por sus retratos y escenas con heroínas bíblicas. Se convierte en pintora de la corte y es la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno de Florencia.

Judith decapitando a Holofernes de los Uffizi
 
 
Mary Cassatt, (1844 – 1926)      
Pintora y grabadora impresionista estadounidense.
Cassat es conocida por sus series de pinturas y grabados con madres y niños, aunque también explora otros aspectos de la vida social y privada de las mujeres. En contra de los deseos de su familia estudia en Francia donde Edgar Degas se convierte en su mentor. De Degas aprende la técnica del grabado y el dominio de los pasteles. Exhibe con los impresionistas franceses y a su vuelta en Estados Unidos utiliza sus contactos para introducirlos a mecenas norteamericanos.
 

 Mary Cassatt
 

       Paseo en barca
                                    
 
                                        Camille Claudel, (1864 – 1943)
 
 
Escultura francesa impresionista.

  Camille Claudel es durante unos años asistente, modelo y amante de Auguste Rodin quien tiene una gran influencia en su trabajo como escultora. Trabajando en su propio taller alcanza un cierto éxito comercial. Sufre de crisis nerviosas que se agudizan hasta el punto de recluirse en su taller y destruir sus obras. Pasa los últimos 30 años de su vida recluida en un psiquiátrico por voluntad de su familia.


  La edad madura (L'Age mûr).


Beatrix Potter, (1866 – 1943)

Ilustradora y escritora británica.
Beatrix Potter se asocia internacionalmente con sus cuentos ilustrados para niños. Comienza su carrera artística ilustrando postales de navidad y, aunque no logra publicar sus estudios por su condición de mujer, también se dedica a la ilustración botánica. Además de los libros, las reproducciones de sus acuarelas, dibujos y otros productos de merchandising se convierten en un éxito.
 
Perico, el conejo travieso (Peter Rabbit).
 
                           
  Georgia O’Keeffe, (1887 – 1986)
 
 
Pintora estadounidense modernista.
El estilo de Georgia O´Keeffe es tan personal que no se inscribe dentro de ningún movimiento. Sus obras más famosas son las series de flores a gran escala y los paisajes del desierto. En ambas hay elementos de abstracción y expresionismo. Cuenta con el apoyo e influencia del fotógrafo y marchante Alfred Stieglitz, con quien contrae matrimonio. Es considerada como uno de los iconos de la cultura norteamericana.
    
       
                     
                Serie de lirios negros.
 
  Tamara de Lempicka, (1898 – 1980)

Pintora Art Decó de origen ruso.
Tamara de Lempicka vive diez años de gran éxito en París durante los felices años veinte con un estilo figurativo, geométrico y glamuroso. Es la retratista más importante del Art Decó con preferencia por las figuras femeninas, el lujo, la moda y el erotismo. Al trasladarse a Estados Unidos pierde el favor de la crítica más interesada en las vanguardias. Femme fatale superficial y clasista cuya indiferencia por el movimiento feminista y los ambientes intelectuales es mutua.
 Autorretrato
 
 
                            Frida Kahlo, 1907 - 1954
 
Pintora surrealista mexicana.
La obra de Frida Kahlo es profundamente biográfica con un estilo muy personal que combina elementos surrealistas, naïf y folclóricos. Es famosa tanto por su obra, en especial por sus autorretratos, su dramática vida y turbulentos matrimonios con el muralista mexicano Diego Rivera, como por su peculiar y distintiva apariencia. Vive la mayor parte de su vida junto a la sombra del éxito de Rivera, pero se ha convertido desde los años 70 hasta la actualidad en un icono del feminismo y la cultura hispana.
 
  Las dos Fridas
 
                                 Leonora Carrington, (1917 – 2011)
 
Pintora surrealista, escultura, grabadora y escritora inglesa y mexicana.
Leonora Carrington se introduce en el ambiente de los surrealistas en París de la mano de su amante Max Ernst. En 1942 busca asilo en México donde traba amistad con Frida Kahlo y Remedios Varo y crea la mayor parte de su obra. Su lenguaje pictórico combina lo siniestro, lo sobrenatural, los símbolos religiosos y la psicología de Jung en mundos imaginados, personales y subjetivos, donde se entremezclan sueño y realidad.
 
     Autorretrato en el albergue del caballo de alba.
 
                                   Helen Frankenthaler, (1928 – 2011)
 
Pintora expresionista abstracta estadounidense.
 
Helen Frankenhaler, seguidora de Pollock y de Kooning, desarrolla una técnica pictórica propia para aplicar la pintura al lienzo que consiste en licuar la pintura al óleo con aguarrás y dejar que la tela sin tratar la absorba eliminando cualquier sensación de tridimensional. Esta técnica inspira el movimiento de campos de color precursor del minimalismo.
 
 
  Montañas y mar.
 
 
Para ejemplificar la existencia de puntos de contacto entre la comunicación y la pintura, se le ha pedido al artista plástico Juan Carlos Berumen conceda una entrevista para que exponga sus puntos de vista y nos facilite algunas imágenes pictóricas.
 
Juan Carlos Berumen nació en la Ciudad de México; sus años de infancia los pasó en el seno familiar el cual se ubicaba en área de San Ángel.


El amor por la pintura se lo heredó a su abuelo materno quién fue pintor y escritor, verlo trabajar con tanta pasión y entrega le despertó muchas inquietudes, sin embargo Juan Carlos Berumen nunca imaginó dedicarse de lleno al arte. Terminó la carrera de Diseño Industrial en la Universidad Nacional Autónoma de México en el año de 1988 y trabajó durante 20 años en Colgate Palmolive desarrollando botellas, tapas, etiquetas, cajas y demás componentes de los productos de las marcas que tuvo a su cargo. Me comenta que la mayor parte del tiempo disfrutó muchísimo su trabajo, pero cuando empezó a desarrollar los envases para productos que se iban a comercializar en todo el mundo, la presión y el estrés le hicieron hacer un alto en su vida y fue cuando decidió volverse Artista Plástico a los 45 años. Estudió pintura en el Taller al Aire Libre ubicado en el Bosque de Chapultepec, es dependiente del INBA: Centro de Artes Plásticas Mariano Paredes; fue discípulo del Maestro Gerardo Torres. Los Talleres al Aire Libre fueron implementados hace 100 años en lugares abiertos para democratizar el Arte; uno de sus estudiantes más famoso fue David Alfaros Siqueiros.

El Artista Juan Carlos ha expuesto en la Galería de Enseñanzas Artísticas del INBA; CC y C Sor Juana Inés de la Cruz, Galería Sabores y Saberes, CC Siete Barrios, Casa de los Tlacuilos de Maestro Hermenegildo Sosa y en el Vestíbulo del Auditorio José Adem Cinvestav IPN.
Participó en el concurso “BP Portrait Award 2015” de National Portrait Gallery, Londres, Inglaterra.
n la actualidad está preparando su siguiente exposición que está planeada para mediados de septiembre.
Juan Carlos Berumen tiene un programa de televisión por internet en Dgestmedia T.V., varios de sus programas se pueden ver en Youtube en “Viaje a Través de la Pintura”, son muy interesantes e instructivos.
El Artista Plástico Juan Carlos Berumen accedió a conceder una entrevista al blog Lectioarística, la cual se transcribe a continuación:
P.- ¿Cómo fueron sus comienzos en la pintura?
R.- El primer dibujo digno lo hice cuando estaba en la Facultad de Arquitectura, que se debía cursar un año antes de entrar a la Escuela de Diseño Industrial; durante la carrera tuve que ilustrar los diseños que iba haciendo, lo mismo que en mi vida profesional; pero pintar por el placer de hacerlo fue hasta que decidí dejar la industria y empecé a tomar clases de pintura a los 45 años.
P.- ¿Cuándo  se inició en el mundo de la pintura?
R.- La pintura la traigo en la sangre, como le comentaba, mi abuelo materno era pintor y parecía un acto de magia y religioso al mismo tiempo verlo llenar los lienzos en blanco con personajes y colores.
P.- ¿Por qué empezó en el universo de la pintura?
R.- Ser pintor era algo que fantaseaba muy dentro de mí; no lo podía externar porque mis padres me inculcaron que para salir adelante en la vida tenía que hacer una carrera universitaria que tuviera futuro y ser artista estaba fuera de contexto. Sin embargo desde niño siempre he visitado museos y algunas veces me preguntaba si yo podría ser capaz de pintar algo relevante.
P.- ¿Cuáles fueron sus mayores temores y/o dificultades cuando comenzó?
 ¿Y cómo los afrontó?
R.- Mi mayor temor era no poder hacer figura humana, en Arquitectura pintaba paisajes y construcciones; en Diseño Industrial objetos, se me hacía imposible pintar a una persona. Esto lo pude afrontar con la guía de mi Maestro Gerardo Torres, él me fue guiando poco a poco, me puso ejercicios increíbles que me dieron confianza en los trazos y hoy en día lo que más disfruto es pintar figura humana.
P.- ¿En tu opinión, cuales son las ventajas y desventajas de la pintura?
R.- La gran ventaja de la pintura es que al crearla te conectas con tu alma y al estar frente a una obra como observador y meterte en ella también contactas con el alma. La gran desventaja es que ser un pintor reconocido no es nada fácil.
P.- ¿Cuál es la corriente que más le agrada?
R.- Definitivamente la Impresionista
P.- ¿Quiénes son sus referentes?
R.- Son muchísimos, pero las obras que más analizo son las de Monet, Picasso y Kandinsky.
P.- Su obra pictórica ¿En qué género la ubicaría?
R.-  No tengo un género perfectamente definido porque he hecho cuadros costumbristas, paisajes, abstractos e interpretaciones de lo que veo; en mi obra hago una síntesis de lo que observo y la cubro de colores vibrantes y de luz.
P.- ¿Cuál es su mejor obra?
R.- Esto es igual a cuando le preguntan a una mamá que cual es su hijo predilecto, ella siempre va a decir que quiere a todos por igual; que por supuesto no es cierto, siempre hay un consentido; mis obras más preciadas son 4 acuarelas que hice en la casa de Monet en Giverny, ese día lo tengo como uno de los más felices de mi vida. Tenía ante mí el reto de ver los colores que veía Monet, hacer mi interpretación sin parecerme a él y olvidarme que me estaban observando trabajar una gran cantidad de turistas; creo que fue cuando perdí mi virginidad como pintor.
P.- ¿Cuáles cree usted que sean sus puntos de contacto entre comunicación y el arte pictórico?
R.- Primero que nada pienso que el ritmo de vida actual y los sucesos diarios hacen que se vea al mundo muy complicado y gris. Cuando estoy trabajando en una pintura busco darle al espectador un momento alegre: utilizo colores muy vivos y lleno el cuadro de luz; la composición está pensada para distraerle la atención de lo que esté pensando en ese momento y lo transporte a otro lugar más agradable quizás mágico; definitivamente lo que quiero comunicar es optimismo; esto mismo no lo podría hacer por otro medio, por eso escogí ser pintor.
P.- ¿Alguna anécdota que nos pudiera compartir?
R.- Tengo muchísimas, cada cuadro tiene una detrás; un día que estaba en la playa de Mocambo en el Puerto de Veracruz vi como un pescador que estaba con sus amigos tomando aguardiente, se subió a una palmera completamente descalzo y empezó a cortar una penca de cocos, me acerqué con mi cámara y empecé a tomarle fotos, porque esa escena era para ser llevada a un cuadro, así que capté cuando cortó los cocos, los bajó con una cuerda, descendió de la palmera con una habilidad asombrosa y se puso todos los cocos al hombro. Fue muy amable y dejó que le tomara las fotos; porque en general es muy difícil que la gente se deje retratar. Finalmente entregó los cocos en un puesto y se regresó con sus compañeros. Al rato fue a donde yo estaba y se soltó a llorar como un niño. Esto es de lo más extraño que me ha pasado con uno de mis modelos.
P.- ¿Un consejo para quien se inicie en la pintura?
R.- Cuando se decida dedicarse a la pintura tiene que ser por verdadera vocación, es una profesión en la que si el trabajo no sale del corazón las obras difícilmente van a cautivar a alguien.
P.- ¿Qué le ha aportado la pintura?
R.- Cada día cuando estoy en mi estudio trabajando tengo un pedacito de paraíso, al pintar no pienso en nada más que no sea mi cuadro, no siento pasar el tiempo, es como si el mundo real se detuviera. Gracias a la pintura he conocido a gentes extraordinarias, he disfrutado más los lugares a los que voy y tengo muchas ilusiones, como cuando tenía 20 años.
P.- ¿Dónde podemos seguir su trabajo?
R.- Por mi Face Book: Juan Carlos Berumen, pueden venir a visitar mis estudio que está en un lugar lleno de historia, en el Hospital de Jesús en el Centro de la Ciudad de México (por correo electrónico podemos concertar la cita). Tengo algunos cuadros expuestos en “Bazar de Clásicos” en Estocolmo 40, Zona Rosa.
P.- ¿Tiene alguna exposición  preparada para los siguientes meses?
R.- Sí, tengo 2: el 11 de septiembre a las 17:30 participo en la exposición colectiva “Trayectorias” en la Galería Plata y Gelatina, en Zaragoza 25, Naucalpan. El 17 de septiembre a las 19:00 es la inauguración de mi exposición individual “Ventanas al Zenit” en el Restaurante Galería El Racó, Av. Sonora 174, Condesa.
P.- ¿En dónde se ubica en el futuro?
R.- En un punto donde mi obra sea reconocida y apreciada por mucha gente.
Ahora bien Lectioarística le agradece al artista plástico Juan Carlos Berumen el haber aceptado la entrevista.
Autorretrato
 
Lectoras y lectores si desean contactar a Juan Carlos Berumen lo pueden hacer mediante su correo electrónico:

Juan Carlos le solicitamos tenga a bien facilitarnos algunas obras suyas, especificando el título, el mensaje que da su obra pictórica y la técnica que utilizó para su realización.


 
Cocotero descendiendo
Oleo/tela
90 x 70 cm
 
 
 
Pescadores descansando
Oleo/tela
70 x 90 cm

 
 
Esquina de la Huaca
Oleo/tela
70 x 90 cm
 
 
 
Estudio y Nocturno
Oleo/tela
70 x 90 cm
 
Conclusión
Es bien cierto lo que plantea León Tolstoi, al aseverar que una forma de comunicarse los seres humanos, es a través del arte.
El primer contacto que se puede puntualizar entre la comunicación y el arte pictórico es: emisor – autor – pintor, libro – obra pictórica – mensaje y receptor – observador – alumno.
El mensaje que emite el pintor a través de su obra, no necesariamente es recibido por el receptor, ya que depende de una situación multifactorial (nivel educativo, cultura, principios, valores, estado anímico, etc.), pero ello no limita que el observador (alumno) tenga su propia versión del mensaje que recibe de la obra pictórica que ha observado.  
Sería ideal que coincidieran ambas versiones, tanto la del pintor como la del observador.
La ubicación de las formas, líneas rectas y curvas; la combinación de colores en sus diferentes tonalidades, entre otros elementos, permiten la construcción de mensajes.
Independientemente del género de la obra pictórica de que se trate, siempre emitirá el mensaje que el pintor quiere transmitir.
En un aula el docente localiza a alumnos con habilidades para pintar, a los cuales hay que darles la oportunidad de desarrollarlas en la asignatura de que se trate. Igualmente habrá alumnos que carecen de esas habilidades, esto no debe dar lugar a marginarlos, por el contrario se le puede fomentar el sentido de observación para interesarlos en el arte pictórico.
Una obra pictórica puede ser utilizada en el proceso enseñanza – aprendizaje, siempre y cuando se adecue al tema y asignatura de que se trate
Estimada lectora o lector me sería de utilidad que usted tuviera a bien darme una opinión sobre el texto, por lo que me pongo a su disposición en mi correo electrónico
Fuentes
 
 
 
 

 
 
 

 
 


 


 
 
 
 
 


 
 
 
 
 
 
 

 

 
 
 



 



 
 

 
 





  
 

 

 

 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

 
 
 








 

 

 
 
 
 
 
 
 
 
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